El hombre que vendió el mundo

«The Man Who Sold the World» es el título del tercer álbum del Gran Duque Blanco del Rock & Pop: David Bowie (Londres, 8 de enero de 1947 – Nueva York, 10 de enero de 2016) uno de los padres del Glam Rock, entre otras cosas. Este disco se lanzó el 4 de noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en Gran Bretaña.

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Pero, si hay una canción dentro del albúm que se desmarca del resto, apuntando a los álbumes que vendrían después, esa es ‘The Man Who Sold The World’ y su atmósfera onírica, lisérgica, cercana a la cultura psicodélica de esos años.

La canción ha sido interpretada por muchos cantantes, entre los cuales destaca la escocesa Lulu en 1974; el también escocés Midge Ure con su versión tecno de 1982 que fue incorporada como banda de sonido del juego Metal Gear Solid V y Nirvana con su mítica versión de 1993 para el programa MTV Unplugged (una de mis favoritas).

Bowie volvió a trabajar en la canción, añadiendo una potente línea de bajo, el güiro como percusión, además de un notable nuevo estilo dándole un matiz oscuro, para una serie de conciertos entre 1995 y 1997. En los años posteriores al 2000, Bowie volvió a tocarla en su versión original como puede oírse en uno de los links que agregamos más abajo.

Según sostiene el blog Hipersónica, se ha especulado mucho sobre su letra, “¿habla de sí mismo? ¿Sobre la juventud y la falta de autoestima? ¿Es simplemente una de sus historias surrealistas?” Yo, particularmente, me inclino más por la historia surrealista.

Pero sin duda, aquí sigue implícitamente su coqueteo fuera de nuestra órbita con esa voz hipnótica. Y continúa el blog Hipersónica: “Casi tanto como el glorioso riff que se va estirando escalonadamente junto al bajo como una espiral desperezándose. Un tema que brilla también por lo cuidado que está con todos los detalles sonoros (…) Las letras de David y la coraza musical del resto hicieron de esta uno de esos temas que hoy perduran en el imaginario popular; una canción irrepetible. La versione quien la versione” (Hipersónica, feb. 2016).

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Centrémonos ahora en la letra. Luego, al final, les dejo los links a distintas versiones de la canción.

The man who sold the world

We passed upon the stair, we spoke of was and when
Although I wasn’t there, he said I was his friend
Which came as some surprise I spoke into his eyes
I thought you died alone, a long long time ago

Oh no, not me
I never lost control
You’re face to face
With The Man Who Sold The World

I laughed and shook his hand, and made my way back home
I searched for form and land, for years and years I roamed
I gazed a gazley stare at all the millions here
We must have died along, a long long time ago

Who knows? not me
We never lost control
You’re face to face
With the Man who Sold the World

El hombre que vendió al mundo

Nosotros pasábamos por la escalera, hablábamos de qué y cuándo
Aunque yo no estaba ahí, él dijo que yo era su amigo
Que nos sorprendió, yo hablé en sus ojos
Yo pensé que moriste solo, hace mucho, mucho tiempo

Oh no, yo no
Nunca perdí el control
Estás cara a cara
Con el hombre que vendió al mundo

Yo reí y le di la mano, y emprendí la vuelta a casa
Busqué la forma y el terreno, y por años y años vagué
Yo contemplé fijamente a todos los millones aquí
Deberíamos haber muerto, hace mucho, mucho tiempo

¿Quién sabe? Yo no
Nunca perdimos el control
Estás cara a cara
Con el hombre que vendió al mundo

Acá les dejo cinco versiones del tema:

  • Versión original de David Bowie
  • Versión de David Bowie en vivo en el año 2000.
  • Una versión muy particular es la de la escocesa Lulu, que produjo el mismo Bowie y es quien toca el saxo. La base me suena al estilo de Los Redondos.
  • Midge Ure tiene esta versión que suena más tecno, interesante por cierto.
  • Por último, mi preferida, la mítica versión unplugged de Nirvana

Facundo Peñalba dixit.

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Branford Marsalis en Argentina

Excelente entrevista de Eduardo Slusarczuk al gran músico estadounidense Branford Marsalis en Clarín.  Marsalis estará tocando en Buenos Aires mañana en el Teatro Coliseo.

Me quedo con esta frase:

“Es más importante ser buen músico que ser novedoso”

Y reproduzco las partes más musicales de la entrevista:

¿Músicos como Miles Davis, John Coltrane o Thelonious Monk no iban llevando su música a niveles de complejidad que obligaban a la gente a resetear sus cabezas para asimilarla?

-En el caso de Coltrane, puede ser. Pero Miles Davis estuvo tocando el mismo tema durante 25 años. Miles entendió que en los discos podían tocar cosas complicadas, pero después, en vivo, tocaba cosas que la gente pudiera comprender y les iba cambiando el contexto a esas piezas. Cuando le cambiás el contexto a la música, la performance se torna más compleja, pero vos estás tocando una canción que la gente ya conoce. Ellos se pueden aproximar a la canción porque la conocen. Escuchan, y ya saben que es My Funny Valentine… En cambio, la música nueva nadie la conoce. Entonces, ¿cómo vas a acercar a la gente a esa música si es toda complicada y está llena de información no melódica? No hay nada en esa música que haga que el público pueda sujetarse a ella. Por eso lo que yo trato de hacer con mi grupo es buscar canciones que tengan una melodía de la cual la gente se pueda prender.

-Imagino que hay un espacio para improvisar.

-Lo que hacemos durante la canción es muy complicado y diferente, pero la introducción tiene una melodía que se puede entender. Creo que eso hace la diferencia. Después, en la mitad del show tocamos algunas canciones muy antiguas, de los ’20 y los ’30, y gustan. No es un concierto basado en la idea unidimensional de: “1) Yo soy un genio y toco estructuras bien complicadas. 2) El público tiene la responsabilidad de entender lo que estoy haciendo.” (Risas) Es gracioso, porque así terminan tocando en salas vacías o sólo para otros músicos y criticando al público, que en definitiva ni sabe quiénes son.

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-A veces el público mismo no entiende nada, pero pretende ser tan “genial” como el músico y supone que estando ahí está siendo parte de algo importante.

-Eso es lo que sucede en Nueva York. Mucho. Pero hay pocos lugares en los que podés hacer eso. Son sitios muy reducidos. No podés tocar en un Teatro Colón con esa mentalidad. No vas a encontrar mil personas que se quieran sentar ahí pretendiendo que son sabios. Podrás encontrar 100. Nosotros lo encaramos de otra manera.

-La improvisación está siempre asociada con el jazz, y hay muchos músicos que cuando tocan en solitario hacen solos todo el tiempo. Pero cuando tocás solos sin la energía del grupo respaldándote, te das cuenta de cuán repetitivo se hace y cuán aburrido se torna. Por eso, cuando abordé ese trabajo, me enfoqué en buscar las melodías. Una de mis piezas preferidas es la Sonata en La menor, que no encaré como una pieza clásica. Originariamente fue escrita para oboe, de modo que el saxo soprano habría sido la elección lógica, pero escogí el saxo tenor y el resultado es una versión diferente a todas las que se hayan grabado antes. Porque nunca pensé en tocarla como si hubiera sido escrita en los códigos de la música clásica.

-Hablamos de jazz, música clásica, y también tocaste rock, R&B… ¿Cada música exige una sensibilidad específica?

Definitivamente sí. Muchas veces, cuando los músicos de jazz están hablando de música, de lo que están hablando es de armonía. Entonces, pueden decir que algo se toca en determinado acorde; pero ese acorde va a sonar terrible si lo aplicás al rock and roll, y sin embargo sí puede funcionar en la música de Astor Piazzolla. Yo crecí escuchando música popular, de modo que conozco ese sonido. Empecé a tocar jazz cuando tenía 19, pero antes había tocado rock y R&B. Sólo que cuando comencé a aprender acerca del jazz, cambió mi manera de escuchar la música, y cuando toqué la corneta -durante siete años-, aprendí cómo suena la música clásica.

Les dejo este link para saborear un clásico del Jazz The sunny side of the street de la mano del cuarteto de Brandford Marsalis

Ver la entrevista completa acá: https://www.clarin.com/espectaculos/musica/branford-marsalis-importante-buen-musico-novedoso_0_qzVAyHyad.html

Facundo Peñalba dixit.

Santa Cecilia y el día de la música

Según la tradición cristiana, Santa Cecilia es la patrona de los músicos. Ella es una mártir de los primeros siglos de vida de la Iglesia Católica y, por cierto, una de las más veneradas por los cristianos.

Su vínculo con la música proviene de una linda leyenda según la cual, el día de su matrimonio, mientras los músicos tocaban, ella le cantaba a Dios en su corazón. Su día se celebra el 22 de noviembre y la santa es representada tocando un instrumento musical y cantando.

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Cuenta la leyenda que Cecilia era hija de una familia noble de Roma. Muy devota, solía hacer penitencias y decidió consagrar su virginidad a Dios. Sin embargo, contra su voluntad, su padre la casó con un joven llamado Valeriano.

Cuando los recién casados se encontraron en la habitación nupcial, Cecilia le confesó a Valeriano: “Tengo que comunicarte un secreto. Has de saber que un ángel del Señor vela por mí. Si me tocas como si fuera yo tu esposa, el ángel se enfurecerá y tú sufrirás las consecuencias; en cambio si me respetas, el ángel te amará como me ama a mí”.

Ante tamaña confesión, Valeriano le pidió a Cecilia que le mostrara al ángel y que haría lo que ella le pidiera. Cecilia le dijo que si él creía en el Dios vivo y verdadero (el Dios cristiano) y recibía el bautismo, entonces vería al ángel. Valeriano fue raudo a buscar al Papa Urbano, obispo de Roma, quien lo instruyó en la fe y lo bautizó.

La tradición católica señala que cuando el esposo, ya bautizado, regresó a ver a su amada, vio junto a Cecilia a un ángel de pie y éste puso una guirnalda de rosas y lirios sobre la cabeza de los esposos. Tiempo después, Valeriano y su hermano Tiburcio serían martirizados.

La leyenda afirma que Cecilia fue llamada por los romanos para que confirmara su fe en los dioses paganos, pero ella convirtió a sus detractores. El Papa Urbano la visitó en su casa y bautizó ahí mismo a 400 personas.

Más tarde, la Santa fue llevada a juicio por los romanos y condenada a morir sofocada en el baño de su casa, pero a pesar de la enorme cantidad de leña que pusieron los verdugos en el horno, Cecilia no sufrió ningún daño.

Finalmente, a fin de ponerle fin a su vida, la mandaron decapitar y el verdugo descargó tres veces la espada sobre su cuello. Santa Cecilia estuvo tres días agonizando y finalmente falleció, y según la tradición cristiana subió a los cielos, a la casa de Dios.

Esta leyenda es de fines del siglo V. En 1594 el Papa Gregorio XIII nombró a Santa Cecilia patrona de los músicos.

En Trastévere, Roma, se edificó la Basílica de Santa Cecilia en el siglo V. Allí actualmente se encuentra la famosa estatua de tamaño natural y del escultor Stefano Maderno, que muestra a la Santa como si estuviera dormida, recostada del lado derecho, con las marcas del verdugo en su cuello.

Facundo Peñalba dixit.

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Gracias a la vida

Hay poesías cantadas que me emocionan siempre, mas allá de las diversas versiones. Una de ellas es «Gracias a la vida» de Violeta Parra.

Violeta del Carmen Parra Sandoval (1917-1967) fue una cantautora chilena de un origen humilde y, sin dudarlo, se transformó en una de las principales folcloristas de América del Sur. Asimismo, Violeta Parra fue una divulgadora de la música popular de su país, a la que enriqueció con su obra.

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La contribución de Violeta Parra al quehacer artístico y musical chileno es claramente de un gran valor y trascendencia. Su tarea poética y musical sirvió de inspiración a muchos artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música chilena y del folclore de Chile y América Latina.

Un aporte importante de Violeta Parra a la música es el rescate de la tradición musical chilena: el canto a lo divino («El rin del angelito», «Verso por una niña muerta», por ejemplo), el lamento mapuche («Qué he sacado con quererte»), sus canciones nortinas, sin dejar de lado su gran sensibilidad social, como en «Mazúrquica modérnica», «Rodríguez y Recabarren» y «La carta», entre otras.

Sus canciones han sido versionadas por muchos artistas, tanto chilenos como extranjeros. En conmemoración de su natalicio, el 4 de octubre fue elegido como el «Día de la música y de los músicos chilenos».

Grandes artistas de la canción como Mercedes Sosa, Raphael, Gabriella Ferri y Pedro Vargas han interpretado «Gracias a la vida». En 1977, las autoridades de TVN de Chile prohibieron su triunfo en el programa La canción de todos los tiempos, en el que la interpretó Gloria Simonetti—.

Violeta Parra se suicidó de un disparo en la cabeza a los 49 años en su carpa de La Reina a las 17:40 del 5 de febrero de 1967. Se levantó una capilla ardiente en la carpa y, dos días más tarde, se realizó su funeral en el Cementerio General de Santiago.

Para muchos puede resultar paradójico que la autora de «Gracias a la vida», un himno a la existencia, se suicidara un año después de escribirla. Otros críticos de su obra perciben en la letra, en el estilo musical, en los tonos usados y en cierta monotonía de sus temas el reflejo de una mujer con un ánimo depresivo. Quizás fuera ésta su canción de despedida.

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De manera póstuma, se le otorgó la medalla Gabriela Mistral en 1998.

Aquí la letra de este magnífico poema:

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me dio dos luceros, que cuando los abro
Perfecto distingo lo negro del blanco Y
el alto del cielo, su fondo estrellado
Y en las multitudes, al hombre que amo

Gracias a la vida que me ha dado tanto
Me ha dado el oído que en todo su ancho
Graba noche y días grillos y canarios
Martillos , turbinas, ladrillos, chubascos
Y la voz tan tierna de mi bien amado.

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me ha dado el sonido y el abecedario
Con él las palabras que pienso y declaro
Madre, amigo, hermano, y luz alumbrando
La ruta del alma del que yo estoy amando.

Gracias a la vida que me ha dado tanto
Me ha dado la marcha de mis pies cansados;
Con ellos anduve ciudades y charcos,
Playas y desiertos, montañas y llanos,
y la casa tuya, tu calle y tu patio.

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me dio el corazón, que agita su marco
Cuando miro el fruto del cerebro humano
Cuando miro al bueno tan lejos del malo
Cuando miro el fondo de sus ojos claros

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me ha dado la risa y me ha dado el llanto
Así yo distingo dicha de quebranto
los dos materiales que forman mi canto
El canto de ustedes, que es el mismo canto
El canto de todos, que es mi propio canto
Gracias a la vida.
Gracias a la vida.
Les dejo dos versiones de la canción. La primera de la misma Violeta Parra

Y la segunda la de la gran Mercedes Sosa que es la versión que yo escuchaba de muy pequeño.

Más info sobre esta notable poetiza puede verse aquí:
https://www.violetaparra100.cl/biografia/

Facundo Peñalba dixit.

Honrar la vida

Sostiene Julio Nudler que “Nadie logró, como Eladia Blázquez, crear tangos con letra de tanto éxito —y en algunos casos aislados de tanta calidad— desde fines de la década del 1960, cuando la popularidad del género había caído en la Argentina a sus mínimos históricos”. Y el mismo Nudler la llega a comparar con el binomio Astor Piazzolla-Horacio Ferrer.

Eladia Blázquez, letrista, poeta, pianista, compositora y cantante, nació en Avellaneda, al otro lado del Riachuelo, un 24 febrero de 1931 y falleció a los 74 años en Buenos Aires el 31 agosto 2005, debido a un cáncer terminal que padecía desde varios años antes.

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Ella creó un tango canción novedoso, aunque sobre moldes no vanguardistas, con su espacial habilidad para combinar notas y palabras. Nudler señala que trajo al tango una temática nueva y un lenguaje actualizado que impactó en un público mucho más amplio que el tradicional tanguero. Y esa novedad fue criticada por los tradicionalistas, como también lo criticaron en su momento a Astor Piazzolla.
Blázquez fue recorriendo en su vida de artista variados caminos, según fueran las circunstancias, buscando un el mejor lugar para su gran impulso creador.

De muy joven, casi niña, logró cierta notoriedad cantando el repertorio popular español, determinada por el origen de sus padres. Los inmigrantes españoles que habían huido de la Guerra Civil conformaban un público enorme en los años 30s y 40s y Buenos Aires pasaba a ser la ciudad del mundo con más habitantes nacidos en Galicia, más que La Coruña, capital de esa región hispana.

Eladia transitó luego por el folklore argentino, el bolero, y más tarde recayó en el tango y la balada.

En 1970 editó su primer disco LP dedicado al tango, donde canta sus propias obras. En los dos años previos había perdido sucesivamente a su madre y a su padre. En esa placa incluye el excelente tema “Sueño de barrilete” (nombre que en la Argentina se le da a la cometa). En ese mismo álbum figuran otros de los mejores tangos que jamás compondría Eladia, como “Contame una historia” y “Sin piel”, además de “Mi ciudad y mi gente”, que ganó el Festival de la Canción de Buenos Aires de 1970.

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Escribió dos libros: Mi ciudad y mi gente y Buenos Aires cotidiana, también varias letras para los folkloristas Ramona Galarza y Los Fronterizos. 

Nudler destaca “El precio de vencer”, uno de sus temas más críticos, que grabó en 1973, año en que la Argentina se debatía en una lucha interna de ideas políticas radicalizadas. Y claramente sobresale como su tango más popular “El corazón al sur”, que registró en 1976. Pero a mí particularmente me gusta la poesía contenida en este tema, Honrar la Vida una balada de corte más intimista y, si se me permite, más existencial.

Honrar La Vida

¡No! Permanecer y transcurrir
No es perdurar, no es existir
¡Ni honrar la vida!
Hay tantas maneras de no ser,
Tanta conciencia sin saber
Adormecida

Merecer la vida no es callar y consentir,
Tantas injusticias repetidas…
¡Es una virtud, es dignidad!
Y es la actitud de identidad ¡más definida!

Eso de durar y transcurrir
No nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir
¡Honrar la vida!

¡No! Permanecer y transcurrir
No siempre quiere sugerir
¡Honrar la vida!
Hay tanta pequeña vanidad,
En nuestra tonta humanidad
Enceguecida

Merecer la vida es erguirse vertical,
Más allá del mal, de las caídas…
Es igual que darle a la verdad,
Y a nuestra propia libertad
¡La bienvenida!

Eso de durar y transcurrir
No nos da derecho a presumir.
Porque no es lo mismo que vivir
¡Honrar la vida!

Les dejo dos versiones:
1. La original de Eladia Blázquez: https://www.youtube.com/watch?v=QLDvQc7I8zw

2. Y la versión de Sandra Mihanovich: https://www.youtube.com/watch?v=pQevw0492Z4

Facundo Peñalba dixit.

Véase: Nudler, Julio. Eladia Blázquez, en Todo Tango, http://www.todotango.com/creadores/biografia/53/Eladia-Blazquez/

Un hombre feliz

Buscando entre los viejos discos de mi padre, encontré uno de la época de oro del rock progresivo o sinfónico. Se trata del LP de 1970 de la banda Emerson, Lake & Palmer, que lleva ese mismo nombre.

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Y escuché esta canción, que es una pequeña historia que habla de un hombre feliz…

Acá el link al tema original de 1970.

He had white horses,
and ladies by the score
All dressed in satin,
and waiting by the door

ooh, what a lucky man he was,
ooh, what a lucky man he was.

White lace and feathers,
they made up his bed
A gold-covered mattress,
on which he was laid

ooh, what a lucky man he was,
ooh, what a lucky man he was.

He went to fight wars,
for his country and his king
For his honor and his glory,
the people would sing

ooh, what a lucky man he was,
ooh, what a lucky man he was.

A bullet had found him,
his blood ran as he cried
no money could save him,
so he laid down and he died

ooh, what a lucky man he was,
ooh, what a lucky man he was.

Emerson, Lake & Palmer -conocida como ELP- fue una impresionante banda británica de rock progresivo o rock sinfónico formada en Londres en 1970. Alcanzó su mayor popularidad en la década de 1970, y llegó a vender más de 35 millones de discos. Era muy famosa por sus multitudinarios conciertos.

Por la espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones en vivo estuvo a la altura de las grandes bandas de su época. Sin dudarlo, ELP fueron padres del movimiento y prepararon el camino a otras bandas de rock sinfónico para la difusión del género, que pasó de ser música de nicho a convertirse en un fenómeno radiofónico.

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Dentro de la explosión del rock progresivo en la Gran Bretaña de finales de los años 1960, el trío Emerson, Lake & Palmer se convirtió en uno de los nombres más significativos y de mayor éxito comercial, caracterizado por una alquimia muy particular entre el rock, el jazz y la música clásica, que mostraba a las claras el gran talento instrumental del terceto compuesto por conocidos músicos de la escena británica: el tecladista Keith Emerson (proveniente de The Nice); el bajista, guitarrista y cantante Greg Lake (proveniente de King Crimson); y el baterista Carl Palmer (proveniente de Atomic Rooster).

También les dejo acá el link a una versión muy posterior en vivo de Lucky Man en el Festival de Montreaux de 1997.

Facundo Peñalba dixit.

OKTUBRE ROJO

Estamos ya recorriendo las últimas semanas del mes de Octubre. Siempre que llega este mes me recuerda la gran Revolución de Octubre, aquella encabezada por Vladimir Lenin en Octubre de 1917 en Rusia. Este acontecimiento abrió un nuevo estadio en la historia del siglo XX. Constituyó la radicalización de la Revolución Rusa de 1917, tras la Revolución de Febrero y la abdicación del Zar Nicolás II. Conducida por el Partido Bolchevique bajo la dirección de Lenin, es la primera revolución socialista declarada, con la participación de la vanguardia del proletariado, los obreros, algunos campesinos y buena parte de la soldadesca cansada de la guerra. Su gran lema Paz, pan y tierra signó el fin de la era zarista.

Y Oktubre es también el segundo álbum de estudio del mítico grupo de rock argentino Patricio Rey y los Redonditos de Ricota, más conocidos hoy como Los Redondos. Grabado a mediados de 1986, el álbum se caracteriza por un sonido que incorporó influencias del new wave y el post punk y por su narrativa con elementos distópicos, inspirada justamente por la Revolución Rusa de Octubre y el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, así como también del escenario político argentino que en 1983 había vuelto a la democracia tras la cruenta dictadura militar (1976-1983).

En el año 2007, la versión argentina de la revista Rolling Stone ubicó a Oktubre en el puesto n.º 4 en su lista de los 100 mejores álbumes del rock vernáculo. Este disco contiene algunos de los temas más emblemáticos del grupo, como “Jijiji”, “Semen up”, “Ya nadie va a escuchar tu remera”, “Preso en mi ciudad”, “Motorpsico” y “Canción para náufragos”, entre otros.

Pero, si hay algo que siempre me llamó la atención de este disco de Los Redondos fue el arte de tapa, diseñado por el artista plástico argentino Rocambole (Ricardo Cohen), inspirado en la Revolución Rusa.

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El mismo Rocambole declaraba años después: “Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de Fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso”.

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El arte de Rocambole sintetiza su peculiar lectura de los procesos revolucionarios históricos, a partir de un cruce entre la estética artística tradicional de la Revolución Rusa de 1917 y los trabajos del gran pintor argentino Antonio Berni.

“La mayor parte de la trayectoria gráfica de Los Redondos se basó en un concepto previo. Mi tarea consistió en hacer visible lo que musicalmente y poéticamente pensaba el colectivo artístico”, puntualizó Rocambole en un ndiálogo con la agencia Télam.
“En el segundo disco de Los Redondos la idea principal era recordar admirativamente los procesos revolucionarios y las luchas protagonizadas por las masas en la historia de la humanidad, en cuanto fueran sometidos contra sus opresores”, recordó Rocambole. “En lo que atañe a mi parte en el asunto, ese disco significó la difusión de mis trabajos visuales de una manera que jamás podría haber imaginado. Mas tarde el público se apropió de esas imágenes aplicándolas en remeras, banderas, paredes, mochilas y en cuanta posibilidad hubiera incluyendo los tatuajes en la piel. Se transformaron en iconos populares. ¿Qué más puedo pedir como reconocimiento a mi tarea?”, comentó el artista (Fuente: Telam)

En este link pueden escuchar y ver el tema que abre el disco “Fuegos de Octubre”
https://www.youtube.com/watch?v=iMnWN4fY2Bk ilustrado con pasajes de la película Octubre de Sergei Eisenstein. Su letra es corta, breve y por sí misma una declaración de principios del grupo al igual que las imágenes de Rocambole.

“De regreso a octubre, desde octubre.
Sin un estandarte… de mi parte,
te prefiero igual, Internacional”.

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota –  Integrantes en este disco:
Indio Solari – voz
Skay Beilinson – guitarra líder
Tito Fargo D’aviero – guitarra rítmica
Semilla Bucciarelli – bajo
Piojo Ábalos – batería
Willy Crook – saxofón

Artistas invitados:
Daniel Melero – teclados
Claudio Cornelio – percusión

Facundo Peñalba dixit.